Ya hace mucho tiempo que observamos a las sociedades nórdicas como referentes en muchas materias, y en general, como sociedades superiores. Y este caso parece que viene a refrendar esta última idea, no por el hecho de aprovechar un sitio tan frecuentado como el metro para albergar obras de arte, sino porque, y aquí viene lo realmente destacable, en Estocolmo consideran que  “con el arte, se ayuda a evitar el vandalismo”.

EL CIVISMO DEL NORTE

Para alguien del sur de Europa, la pregunta que puede surgir rápidamente es: ¿Cuándo eso ha sido un impedimento para los “cafres”? En países como España o Italia es bien conocida la existencia de grupos o individuos que creen que su valor crece por agredir o destrozar un objeto artístico y vanagloriarse de ello. Esto alcanza su máxima expresión cuando además suben a la red el delito de turno.

Sin embargo, el civismo general que reina en los países nórdicos poco o nada tiene que ver con lo anterior. Eso sumado a la inversión que realiza el gobierno sueco, por ejemplo, en arte público, permite que el metro albergue las obras de unos 140 artistas en noventa de sus cien estaciones

• Muestras de las obras en el Metro de Estocolmo
  

BREVE HISTORIA

Una vez vistas estas muestras, lo primero que cabe preguntarse es cómo se ha llegado a alcanzar esta realidad artística. El proceso es largo, ya que su origen lo podríamos situar incluso a mediados del siglo XX como veremos a continuación:

• 50´s: En esta década empiezan las obras para las primeras estaciones de metro. Se crea la Línea verde. La mayoría de las estaciones se construyen sobre el suelo. La estación de T. Centralen fue la única que incorporó arte desde su creación en esta década, mientras que el resto vieron sus estancias decoradas a partir de los 80´s.

• 60´s: Se empieza la construcción de la Línea roja. Casi toda se realiza en esta década, con avances técnicos que  mejoran y abaratan la realización de las obras, con mejoras también para los habitantes de la ciudad. La mayor parte de la línea ya se realiza bajo la superficie.

• 70´s: En vez de revestir los muros con cemento formando una pared lisa, como en la década anterior, en la década de los 70´s se decide cubrir los techos y paredes de las estaciones con una capa de cemento en “spray”, dándo un aspecto de cueva natural (imagen superior). Masmo fue la 1º estación en realizarse así. Los temas que se plantean en los muros de estas estaciones son los que estaban en los titulares de los periódicos de esos años: despoblación rural, destrucción del medio ambiente, de los bosques y la naturaleza. Cuando se acabó la línea azul, se decidió dejar los muros y los techos como realmente eran, lo que las hace únicas en el mundo. Se plantearon desde un trabajo multidisciplinar, con una labor coordinada de ingenieros, arquitectos y artistas para conseguir un conjunto global y unificado.

• 80´s: Se realizan nuevas estaciones. Algunas se proyectan a modo de “trompeta”, lo que significa que son estrechas por un lado y se van ensanchando hasta llegar al otro lado, con un muro central que permite nuevas incorporaciones de arte en ellas.

• 90´s: como en las dos décadas anteriores, el metro aumenta su número de estaciones que se proyectan como un todo global, trabajando conjuntamente en los proyectos arquitectos, ingenieros, diseñadores y artistas. Estaciones más viejas se actualizan con los nuevos avances técnicos como iluminación o acceso (ascensores, escaleras mecánicas).

• 2000: Aunque no se han realizado nuevas estaciones en el nuevo siglo, el metro de Estocolmo sigue viendo crecer sus depósitos de obras de arte para dar personalidad y belleza a cada una de las paradas, tanto con carácter fijo como en exposiciones temporales.

Con todo este proceso, los suecos han conseguido hacer de las líneas de metro poco menos que consolidadas salas de museo, para disfrutar y acercar el arte a los ciudadanos. Concepto, dicho sea de paso, que no dista demasiado de cómo habría que entenderse el propio arte.

pd – ¡Felices vacaciones!

Fuente de la fotografía: fubiz.net

Los cortos “La broma infinita” de David Muñoz ,“(En)terrados” de Álex Lora y “La Pecera” de Carlos Bouvier han sido galardonados con los premios al Mejor Corto Documental , Mejor Corto de Ficción y Premio del Público, respectivamente, en el VI Festival Internacional de Cortos Actúa, organizado por Intermón Oxfam, que celebró ayer su gala de clausura en los cines Golem de Madrid. La actual crisis económica que está sumiendo en la pobreza a millones de personas tanto aquí como en el resto del mundo, ha sido el hilo conductor de esta edición, que ha llevado por título “Crisis: víctimas y culpables”.

“Esta crisis la están pagando los de siempre, los más vulnerables, esos más de 1.000 millones de personas que están sumidos en la pobreza tanto aquí como en los países del Sur. Ha llegado el momento de ver la crisis de una forma distinta. De aplicar soluciones justas a sus consecuencias. En esta edición los cortos exhibidos han sabido mostrar de manera magistral otros ángulos de esta crisis, apelando, con el gran potencial que tiene el cine, a la reflexión constructiva y a la búsqueda de soluciones. En una palabra: cine que invita a pensar que no tienen porqué pagar los de siempre” ha señalado Ricardo Magán, director del certamen.

En este sentido, el jurado, compuesto en esta edición por el productor Pedro Uriol, el director de cine Chema de la Peña y la actriz y guionista María Reyes Arias, ha querido reconocer la manera excepcional con la que ha mostrado David Muñoz ”la frustración y el desconcierto ante la crisis que padecen millones de personas en todo el planeta”. De la misma manera, se ha distinguido el trabajo de Álex Lora “por su compromiso y por reflejar una problemática actual con contundencia y con sensibilidad”.

El jurado, además, ha querido hacer una mención especial al corto documental Odysseus’ Gambit, también de Álex Lora, por “ir más allá de los orígenes de cada drama personal. La historia es una denuncia del actual sistema que no protege a los más vulnerables, y es un canto, brillante y emotivo a la solidaridad de los ciudadanos anónimos”.

Por otra parte, el festival ha seguido fiel a su objetivo de promover la reflexión entre los espectadores y las espectadoras y de hacer una llamada a la movilización. Por este motivo, como en anteriores ediciones, se ha concedido el Premio del Público, que ha recaído en el trabajo de Carlos Bouvier, fruto de las votaciones de los y las asistentes a las distintas proyecciones y del voto online, que se ha podido realizar desde cualquier parte del mundo a través de la web del festival www.IntermonOxfam.org/cortosactua.

Estos tres realizadores, que han recibido los galardones de la mano de los actores y las actrices, Carlos Olalla, Amparo Climent, Carles Francino y Carmen Mangue, se unen a los más de 134, de 14 países, que han querido hacer llegar al certamen su particular visión de la crisis económica.

En esta edición se han seleccionado 10 cintas finalistas -seis de ficción y cuatro documentales-, que se han proyectado en salas de A Coruña, Barcelona, Bilbao, Guadalajara, Las Palmas de Gran Canaria, Logroño, Pamplona, Sevilla, Toledo, Valencia, Zaragoza y Madrid, desde el 31 de mayo hasta el 9 de junio.

Como en las ediciones anteriores, Canon ha patrocinado el certamen y ha aportado los premios a los ganadores. Esta sexta edición ha contado, además, con la financiación de la Unión Europea.

Una solución de financiación al desarrollo: una tasa justa

El hilo temático de esta nueva edición enlaza con la campaña “Objetivo Robin Hood: que no paguen los de siempre” (www.quenopaguenlosdesiempre.org), que insta a la ciudadanía y al Gobierno a ponerse del lado de las víctimas y no de los culpables. “Los líderes de la comunidad internacional han puesto más empeño en rescatar a los culpables, en lugar de a aquellos que más lo necesitan. Hay que recordar que en sólo unos meses, los países más ricos destinaron 18 billones de dólares en salvar a sus bancos, cifra 120 veces mayor que la que los países deberían aportar anualmente para alcanzar los Objetivos de Desarrollo del Milenio” ha añadido Ricardo Magán.

Conscientes de esta realidad, la campaña persigue el fin a los recortes de la ayuda al desarrollo, así como la implantación de vías alternativas de financiación del gasto social y de desarrollo, como una tasa a las transacciones financieras –conocida como tasa Robin Hood- y poner coto a la evasión de capitales hacia paraísos fiscales. “Desde Intermón Oxfam consideramos que la Tasa Robin Hood supone una alternativa de financiación factible, poderosa y justa. ¡Reclamémosla!” , ha explicado el director del certamen.

Teniendo en cuenta que el 80% de las transacciones financieras internacionales son esencialmente especulativas, desde Intermón Oxfam se pide la implantación de un impuesto a este tipo de transacciones de tan sólo un 0,05%, que permitiría recaudar más de 300.000 millones de euros anuales.

Por ejemplo, aplicando esta vía de financiación:

• Con lo recaudado en España en un año se podría mantener la ayuda de 426 euros para más de 3 millones de personas en paro.
• En ocho días, aplicando la tasa a escala mundial, se podría garantizar educación primaria para los 72 millones de niñas y niños que no van a la escuela.
• En tres meses y medio, en todo el mundo se recaudaría lo suficiente para cubrir el coste para la adaptación al cambio climático de los países en desarrollo.

Fuente de la información y fotografía: www.intermonoxfam.org

La danza Kathak es la danza clásica del Norte de la India. Sus estudios son como los de una carrera universitaria, con sus años de carrera, sus doctorados y todo. Cuenta para su estudio y ejecución con el Natya Shashtra, por lo visto, el libro más antiguo del mundo sobre artes escénicas: escenario, vestuario, maquillaje, música, etc.

Su contenido es muy importante a nivel no sólo didáctico, sino también histórico, pues se trata de un texto del siglo II a. C. y gracias a él se pueden conocer las costumbres e instrumentos que se tocaban entonces.

HISTORIA

En sánscrito, la palábra “kathaka” significa narrador de historias” y eso es lo que hacen los bailarines de esta danza. Los “kathakas” eran narradores de historias sagradas, con danza y música teatralizada. De la misma manera que el cristianismo se extendió de forma masiva a los pueblos a través de imágenes en los templos, las historias sagradas de Shiva se cuentan a través de movimientos y gestos corporales y faciales.  Tras la invasión mogola en el siglo XIII, la danza Kathak sufre algunos cambios: mezcla de cultura y religión musulmana-hindú, el paso de la danza de los templos, como algo sagrado, a los palacios como entretenimiento de los emperadores, introducción de giros en el baile, etc.

KATHAK FUERA DE LA INDIA

Sus gestos, sus expresiones faciales, sus giros han trascendido a lo largo de los siglos, no sólo dentro de la India sino influenciando también en los bailes de otras culturas, como el flamenco. Su técnica de brazos, de giros, y sobre todo de pies tienen numerosas similitudes. Característica de la danza Kathak es que bailan con los pies descalzos, acompañados en los tobillos de unas pulseras de cascabeles (sólo un par de kilos en cada tobillo…). El golpe del pie en el suelo y el sonido de los cascabeles al repercutir el golpe producen un sonido muy característico que en muchas ocasiones suena similar que los zapateados flamencos.

En el siguiente vídeo podemos ver uno de los varios proyectos que se han realizado aunando las dos culturas musicales, dando lugar a fusiones muy interesantes que tienen gran aceptación, tanto en el público como en los profesionales de la música y la danza.

Kathak y Flamenco

Fuente de la fotografía: adharayogabcn.blogspot.com

Durante los años 80 empieza a centrar sus fotografías, ya no sólo en el paisaje (trabajos anteriores) sino en los paisajes transformados por la mano del hombre, como las minas. 

COLECCIONES

De las minas, pasa por vías de tren atravesando montañas, desastres naturales, canteras de piedra o mármol o cementerios de barcos. En todas estas series trata de darnos una visión real y global del alcance de nuestra acción sobre la naturaleza. En la web edwardburtynsky.com encontramos las diferentes series de fotografías de paisajes transformados con una calidad y definición que realmente impresionan, tanto por su calidad pictórica como simbólica.

Cuando compramos un coche, sólo vemos el coche en sí, pero olvidamos todo el proceso anterior y el posterior. Por eso, durante unos 8 años, Burtynsky realiza una interesantísima serie llamada Oil, donde nos muestra el proceso previo de refinería del petróleo, y su acción sobre la Tierra, las fábricas de coches (su padre trabajaba en la General Motors), la cultura del motor (autopistas, ciudades, carreras de coches y motos),  y el proceso de desguace de todos sus componentes.

Tras este importante trabajo decide dar un paso más, viajando al epicentro de la producción industrial mundial: China. Después de un año con problemas burocráticos con las principales firmas mundiales de todo tipo (ropa, deporte, electrodomésticos), consigue los papeles necesarios para introducirse en las fábricas monstruosas de casi 1 km de largo, para ver y plasmar la producción en masa de las fábricas chinas. Para eso, la directora Jennifer Baichwal le acompaña para filmar su trabajo y sus impresiones, que se ven reflejadas en el documental Manufactured Landscapes, premiado en los principales festivales de cine de Canada.

RECONEXIÓN CON LA NATURALEZA

El objetivo principal de su obra es comprometer a la audiencia con su trabajo a través de 2 objetivos principales: el primero, apreciar la magnitud y belleza de los paisajes, con obras de tamaño importante que ayudan a captar mejor el mensaje. El segundo, a través de estas fotografías, darnos cuenta de la acción del hombre sobre la naturaleza, la transformación y la destrucción a causa de la industria.

Burtynsky vio que había tantos casos de intervención y destrucción, que se dio cuenta que le permitía desarrollar el trabajo de toda una vida.

Fuente de la fotografía: edwardburtynsky.com

]]> http://www.elmundodewayne.es/2011/05/06/el-paisaje-que-no-se-ve/feed/ 0 http://www.elmundodewayne.es/2011/03/31/%c2%a1lanzales/ http://www.elmundodewayne.es/2011/03/31/%c2%a1lanzales/#comments Thu, 31 Mar 2011 09:04:30 +0000 Enterarte http://www.elmundodewayne.es/?p=11243 Más interesante que todas las inauguraciones de museos y exposiciones que se están llevando a cabo estos días por toda la geografía española (previas a la precampaña electoral) , me parece esta web, cuya labor es mucho más interesante y productiva que la de muchos centros culturales.

Lánzanos.com es una web de “Crowfunding” o cooperación colectiva para financiar proyectos de todo tipo (financiación en masa según lo llaman ellos): artísticos, solidarios, creación de empresas o pequeños negocios o creación de software.

Cuando entras a esta web, hay dos maneras de verla:

1. Como espectador y/o colaborador: si puedes, ayudas a los colectivos que presentan sus proyectos a hacer sus sueños realidad (algunos, verdaderamente lo son).

2. Como persona que tiene un proyecto y necesita ayuda externa para ponerlo en marcha. Esta puede ser una buena opción para darte una oportunidad y empezar a echar a andar con ayuda de otros. Un grano de arena que ayuda a otro grano de arena, que ayuda a otro grano… Varios ya lo han conseguido.

PROYECTOS

Los proyectos pasan, antes de aparecer en portada, por “La caja”, donde se comprueba si corresponden con la filosofía de la web. Una vez han sido admitidos, pasan a votación por los usuarios, y los mejor posicionados saldrán de “La caja” para empezar a recibir los donativos.

En Lánzanos buscan personas creativas y emprendedoras, sin cerrarse a unos ámbitos concretos: tecnología, bellas artes, música, cine, literatura, y si tiene un componente solidario, mejor.

Más aspectos positivos de esta iniciativa es que el creador del proyecto nunca pierde su autoría, por mucha inversión o donativo que reciba. Aquel que aporte una cantidad importante podrá tener beneficios o recompensas según indique el creador, como aparecer como figurante si se trata de un proyecto cinemátográfico, pero la idea y el proyecto no dejan de pertenecer a su autor.

APORTACIONES

Desde un euro tu colaboración es posible y hace posible, al mismo tiempo, que estos proyectos se desarrollen. En función de tu aportación obtendrás más o menos recompensas, que variarán dependiendo del proyecto: tu nombre en los agradecimidentos, publicidad de tu negocio, entradas si se trata de un espectáculo artístico…

Estos donativos, sean de la cantidad que sean, sólo se cobrarán al donante en caso de que el proyecto se lleve a cabo. Si éste no llegara a conseguir la financiación en el tiempo establecido (por el propio autor), el donativo no será cobrado (el donativo se hace por Paypal).

La iniciativa ya tiene el título de ser la nº1 en España el pasado 2010. Y no es para menos, pues visto como está el patio, con los recortes que hay en todos los sectores, el crowfunding que ofrece Lánzanos se posiciona como una de las mejores opciones para financiar  los proyectos de los nuevos creadores. Si Lady Gaga lo hizo con uno de sus vídeos, ¿por qué el resto no?

Hace un par de días en ‘El Hormiguero’ de Cuatro, Pablo Motos –conductor del programa- intentó que saltaran chispas entre él y la chica Bond, la húngara Olga Kurylenko, sacando a Escrivá de Balaguer a la palestra. La conversación tenía su sentido: Olga es la protagonista de ‘There Be Dragons’, el nuevo film de Rolan Jofffé (director de ‘La misión’ y ‘Los gritos del silencio’) que se estrena hoy en los cines de nuestro país. Pero sonrió y no pudo más que repetir lo que había disfrutado en el film.

Pero lo curioso no es esto, que es anecdótico y puntual, si no que a todos los que han participado en el reparto de la película les ha ocurrido algo similar. Para el actor de ‘American Beauty’ Wes Bentley este trabajo ha supuesto un antes y un después en su vida. Tras un tiempo en estado de rehabilitación por consumo de drogas, el papel de Manolo Torres en la cinta de Joffé le ha reafirmado en la decisión de recuperarse.

El escocés Dougray Scott, conocido por ‘Mujeres desesperadas’ y el papel de villano en la película ‘Misión Imposible II’, se siente orgulloso de haber ejercido de periodista –que investiga la vida de Escrivá en la Guerra Civil- en esta historia.

Es el conocido Charlie Cox el que escenifica a Josemaría Escrivá en el film. Actualmente está interpretando el papel de homosexual en una serie americana pero le ha entusiasmado el personaje. Decidió hacer unos ejercicios espirituales de diez días para preparar su actuación.

Aunque no salga en escena, el director Roland Joffé es el gran capitán. Agnóstico y tres veces divorciado se ha enfrentado a la historia de Escrivá y el Opus Dei y ha conseguido magistralmente interpretar el mensaje del fundador. No es la versión de los del Opus Dei ni la de los anti Opus. Es su visión. Por eso gusta. Por eso, ha reiterado que su peli no es una clase de historia sobre la Guerra Civil española ni sobre esta institución. Por eso, no ha consentido que nadie pinte el cuadro que él quería pintar.

Y por eso, verla nos puede ayudar a dejar de lado los resquemores, memorias históricas, enfrentamientos, juicios violentos y frívolos, etc… que muchas veces podemos escupir sobre la Iglesia Católica, los ateos convencidos, los bandos múltiples de la Guerra Civil y las demás modas y anti modas que están en el escaparate de nuestro país y en nuestro fuero interno.

Fuente de la fotografía: http://www.todocine.cl

En el diseño actual encontramos dos corrientes: el diseño gráfico, correspondiente al incipiente siglo XXI, y las artesanías, más propias de la época medieval o el renacimiento de estas en las Arts & Crafts de finales de siglo XIX y principios del XX (que luego derivaron en el conocido modernismo de Gaudí -entre otros-).

Creo que hay un reparto, bastante equilibrado de la presencia de ambas en los mercados artísticos que encontramos en la actualidad, cada uno para un público diferenciado. Mientras la corriente del diseño gráfico avanza de la mano de la tecnología, las artesanías y/o manualidades lo hacen con la vuelta a los objetos cuidadosamente manufacturados.

PRESENTE PASADO

Desde hace unos años se pusieron “de moda” los mercados medievales que, a parte de ser una excusa para disfrazarse de oficios de la Edad Media ( herreros, taberner@s, orfebres), volvían a mostrarnos profesiones casi desaparecidas y olvidadas por culpa de la industrialización y la globalización. Poco a poco, estos oficios (crafts) han ido recuperando su actividad para sobrevivir gracias a estas ferias y la actividad turística en la que normalmente están integrados.

A este entorno, sumaría la situación económica en la que nos encontramos. Después del subidón, viene el bajón, y toca apretarse el cinturón (todo rima). Por eso está surgiendo, de manera importante, el modelo”Juan Palomo” o el “Do it yourself” si nos ponemos a hablar en términos internacionales. Ferias como la de “Creativa” en España, Francia, Bélgica y Suiza, resurgen el “hazlo tú mismo”, dando así nueva vida a la creatividad de cada uno según las preferencias personales.

Y es que vuelve el modelo “abuela que sabe hacer de todo”. Cada día hay que ir recortando gastos de más sitios, lo que hace que volvamos a ser autodidactas y autosuficientes. Un renacimiento de la creatividad en pos del ahorro y del llegar a fin de mes. No hay mal que por bien no venga, no?

PRESENTE FUTURO

Frente al presente pasado que va ganando adeptos, a la fuerza o no, está la especialización digital. El diseño gráfico y el diseño web se perfilan como imprescindibles o un “must have” para todo aquél que viva en el presente futuro del siglo XXI.

Cualquier empresa, institución, comercio, entidad cultural, financiera, médica o de ocio, con ánimo de lucro o no, que quiera tener un hueco en el mercado (del tipo que sea) actual, tiene que pasar por tener su propia página web. Las tiendas online proliferan en todos los sectores y todas cuentan con su propio logo o su propia imagen que, en función de la inversión que realicen en su diseño, conseguirá más clientes o menos.

Nuevos programas, nuevas corrientes estéticas que cambian cada quince minutos, nuevas (y a veces innecesarias) aplicaciones actualizan de manera abarrotada las opciones de presentación y difusión. Imposible llegar a todas…

Dos corrientes antagónicas pero también complementarias. La una se nutre en ocasiones de la otra, hasta el punto de utilizarse y aprovecharse mutuamente, siempre con un fin común: el poder de la creatividad.

Fuente de la fotografía: www.eliax.com

La banda está formada por, entre otros,  brillantes músicos como Paul Rigby, Jon Rauhouse, Tom Ray, y Barry Mirochnick. Además del papel destacado de las voces de Neko Case y Kelly Hogan.

Todos ellos, liderados por Dylan, han conseguido formar un sonido propio, característico, algo que probablemente Jakob no había conseguido alcanzar en Wallflowers, al menos no tanto, quizás encajonado en un sonido más ligero. No por ello malo, si no diferente.

Tanto Seeing Things como Women and country parecen caminar por una trayectoria propia envuelta en una corriente de country&folk que resulta tan genuinamente norteamericana. Jakob se ha reinventado y, por lo que parece, ha llegado a tiempo.

Por ello estos días la canción que sonará en nuestro M(w)TV será Everybody is Hurting.

Fuente de la fotografía: http://graphics8.nytimes.com

Primero debes hacer cola en taquilla, ubicada bajo la escalinata de la Puerta principal. Una vez adquirida la entrada -gratuita, en el caso de que cuentes con el carne joven o de estudiante universitario-, debes ascender por las escaleras.Tras superar los pasos convencionales de un museo (presentación de entrada y paso de de seguridad) y con mapa de las salas en mano, te dispones a buscar, en este caso, la exposición temporal Pasión por Renoir, primera monográfica que se celebra en nuestro país dedicada a uno de los más destacados maestros del impresionismo. Las treintena de pinturas (31) cedidas por el Clark Art Institute se pueden ver en dos salas contiguas.

Poco espacio para mucho arte. Poco espacio para mucha reflexión. Aunque se ha establecido una visita por turnos, el que quiere mirar a los ojos al autorretratado Renoir, o recorrer la pincelada de las mujeres anónimas que cuelgan en la muestra, -dos de las cosas más extraordinarias-, debe proponérselo a conciencia… porque la confluencia de personas y la ligereza y frivolidad de muchos turistas al mirar la obra enfrían el calor del talento del francés.

La explicación recogida de su vida, de cada cuadro, de sus distintas etapas y de los mecenas Clark es magnífica. Así se conoce parte del verdadero Renoir. La pena es que el próximo 13 de febrero el Prado despida este serial con un “¡Hasta siempre!”.

PRÓXIMAS CITAS

• Chardin (1699-1779)
  1 de marzo – 29 de mayo de 2011
• El joven Ribera
  5 de abril – 31 de julio de 2011
• Imágenes en papel
  5 de mayo – 31 de julio de 2011
• Roma: Naturaleza e Ideal. Paisajes 1600-1650
  28 de junio – 25 de septiembre de 2011
• Tesoros del Hermitage
  8 de noviembre de 2011 – 26 de marzo de 2012

Fuente de la fotografía: www.abc.es

Si algo se encuentra fuera de toda duda, es que los integrantes de Alquimia Urbana consideran cada concierto como una gran fiesta donde compartir con los asistentes el resultado de nuevas ideas, horas invertidas, ensayos, grabaciones, estados de ánimo, sentimientos, experiencias… Y todo lo anterior se convierte en un círculo vicioso, porque donde realmente disfrutamos es cuando se toca en directo.

Y no se toca en directo sin haber trabajado antes (o, al menos, no se debería si se quiere obsequiar a los asistentes con un espectáculo de calidad). En realidad, un concierto es eso, un espectáculo, y como tal ha de entenderse por parte de los músicos y también por el público.

CONCEPTO DE HOBBY COMO MANIFESTACIÓN ARTÍSTICA

Los que no vivimos de nuestra vocación musical, corremos el riesgo de no ser convenientemente comprendidos cuando intentamos explicar que nuestro hobby es una manifestación artística como lo puede ser la de el que pinta cuadros en su desván los fines de semana o la de la pareja que se apunta a clases de baile de salón. De hecho, ¿cuántos padres y madres apuntan (u obligan) a sus hijos e hijas a clases de guitarra, canto o piano cuando estos son menores? La respuesta, en el fondo, es sencilla, ya que obedece a un enriquecimiento personal que se acrecenta cuando se comparte con más gente.

Pero, ¿por qué a partir de cierta edad, esa visión positiva de aprendizaje, disciplina y expresividad artística se convierte, a los ojos de algunos, en una actividad de desarrapados o, en el mejor de los casos, rockeros trasnochados? En cualquier espectáculo, ya sea cine, teatro o circo, la puesta en escena es muy importante y no lo son menos la vestimenta, el sonido, la iluminación… Son esas cosas que hacen que el espectador recepcione con más facilidad el mensaje que lanza el artista y haga que aquél se considere parte del espectáculo. El show necesita pinceladas de color y esas pequeñas cosas que valen para ese momento han de ser vistas y entendidas como parte de un todo (el espectáculo) y no de manera individualizada, donde corren el riesgo de poder ser malinterpretadas.

Esta reflexión nos hace enmarcar este comentario en un ambiente único que desgrano a continuación.

LA INQUIETUD PRE-CONCIERTO Y LA IMPORTANCIA DEL EQUIPO

Nerviosismo no sería la palabra adecuada para definir nuestro estado ante una inminente actuación. Me inclinaría a usar el término inquietud. Inquietud por no defraudar al público, por desear que todo esté a la altura de las expectativas y de la ilusión que la banda, encargados de marketing, fotógrafos y demás personas involucradas han depositado en el acontecimiento.

Es relativamente sencillo para nosotros tener la seguridad de que todo aquello que se encuentra bajo tu ámbito de control, no fallará. Sin embargo, hay otras muchas cosas que escapan de ese perímetro de seguridad: la sonoridad de la sala, el equipo de sonido, el técnico que te ecualiza, etc. Como momento culmen de esta inquietud encontramos a la temida prueba de sonido. Una buena prueba hace que salgas al escenario únicamente preocupado por lo que tú mismo seas capaz de hacer, por el contrario, una prueba insuficiente o realizada con prisas hace un flaco favor al músico cargando innecesariamente sobre sus espaldas una responsabilidad que no debería ser por él asumida.

El artista es responsable de su actuación, su interpretación, su ejecución, su empatía con el público y, al igual que el técnico no subirá al escenario para hacer el solo del guitarrista, el músico no será el encargado de ecualizar correctamente. En este apartado, hay experiencias de todo tipo: las hay muy malas, malas, regulares, buenas, muy buenas y excelentes. Curiosamente, siempre nos acordamos de manera similar de las experiencias positivas y negativas, ya que, al igual que una mala ecualización puede arruinar un concierto, una buena hace que todo sea más fácil. En este caso, mención muy especial a la sonorización de nuestro último concierto en la Sala Lemon en Enero de 2010, ¡bravo Adrián!

LUZ, ACCIÓN Y COMPLICIDAD

Y cuando te quieres dar cuenta de las cuatro horas que llevas en la sala desde que aparcaste el coche en la puerta para descargar todos los “cachivaches”, te encuentras encima del escenario con las luces apuntándote fijamente y la gente jaleándote para que inicies el show. ¡Qué sensación tan maravillosa!

La piedra base de un proyecto, sea cual sea, es la implicación y complicidad de las personas que lo desarrollan y, Alquimia Urbana no es ajena a ello. Esa es la verdadera fortaleza de la formación, más allá de lo que cada uno aporte musicalmente. Es un verdadero lujo compartir ratos inolvidables con David, Alberto y Jota, sin duda, los mejores compañeros de viaje que se puedan tener. Y qué mejor ocasión y compañía que la que tendremos en el concierto para celebrar mi trigésimo cumpleaños. Será la primera vez que los cumpla encima de un escenario y, aunque cambio de decena y aparco la veintena, la ilusión y las sensaciones que tengo son realmente buenas (uno es optimista por naturaleza).

La mecánica está a punto, el motor ruge, la locomotora ya está de camino y admite pasajeros. Próxima parada este sábado 5 de Febrero en Madrid (Sala Lemon, Av. Del Brasil nº 5 a las 22.00 h.)

Difícil de encasillar por la diversidad de su obra, Dennis Oppenheim fue más un artista conceptual, en el sentido más amplio de la expresión, pues su obra está formada por una gran variedad de soportes, destacando sobre todas las performances en fotografía o vídeo y las instalaciones. Comienza a ser conocido por sus intervenciones dentro del movimiento del Land Art a finales de los 60´s, desde el que pasará al body art y a las performances durante los años ´70.

PRIMERAS EXPERIMENTACIONES

A raíz de pequeños montajes conceptuales con muñecos, empieza a experimentar con instalaciones de medio y gran formato, en las que empieza a fusionar escultura y arquitectura, creando así la base de su obra más reciente e importante: la obra pública, en la que la transformación a través de la mutación será el centro de sus investigaciones y experimentaciones.

Toma objetos cotidianos de la realidad como objetos de arte y, a partir de ellos, elabora esa transformación a través de una sucesión de conceptos y por tanto, de significados. Como muestra la imagen, partiendo de un autobús, a través de una espiral, llega a convertirse en una casa, que es uno de los lugares a los que el tren puede llevarte, a tu hogar.

OPPENHEIM EN ESPAÑA

En España cuenta con varias de estas piezas públicas: Crystal garden, en Navalcarnero (Madrid); Escenario para película, Valladolid, con motivo de la Seminci de 1998; Iglesia boca abajo, Palma de Mallorca; y Cactus garden, en Murcia.

Fuente de la fotografía: vidaefectiva.com.ve

Discos redondos como su primer trabajo antes mencionado, “Coliseum” que le seguiría, y los dos últimos “Memorias de un espantapájaros” y “Para no ver el final”, comparten discografía con otros álbumes de menor recorrido como “Usar y tirar” y “Defectos personales” que, sin embargo, contienen algunas de las canciones que se convirtieron en sus éxitos más sonados como “Llamando a la tierra” o “Antihéroe”.

Pero en la noche del pasado 23, la banda murciana presentaba nuevo disco por segunda noche consecutiva en la capital. Una grabación que cuenta con el blues y el soul al más puro estilo de los míticos Otis Redding o Aretha Franklin en su vertiente femenina, como notas carácterísticas. A esto, se sumó (y se percibió) un especial sentimiento causado por la trágica noticia del fallecimiento la semana pasada del anterior bajista de la banda, Pascual Saura, al que la banda quiso rendir homenaje con la dedicatoria de una sentida e intensa “Hasta que se acostumbre a la oscuridad”.

REDONDO DESDE EL PRINCIPIO

Desde un principio todo salió bien, incluida la puntualidad del grupo a la hora de salir a escena. Las tres primeras canciones del nuevo álbum “Calle sin luz”, “Para no ver el final” y “Basta de blues” fueron igualmente los tres primeros temas elegidos para comenzar el show. Sonaron igual o mejor que en la grabación de estudio con un Carlos Tarque pletórico toda la noche haciendo gala de esa garganta prodigiosa que año a año le encumbra como el mejor cantante de rock del panorama nacional.

El concierto no permitió a nadie dejarse llevar por la desidia o la falta de ilusión por ser el segundo día consecutivo de concierto en el mismo lugar. Tanto fue así, que el propio Tarque nos lo hizo saber tras “Maggie Despierta” con una frase que, sin duda, reflejaba el sentimiento de la banda en el escenario: “Estamos muy a gusto aquí arriba, de verdad”.La rockera “Perdido en la ciudad” precedía al blues intensísimo “Se hizo de noche cuando te conocí” una de las mejores de la noche, o al soul de “Ahora” apoyado de una sección de viento espléndida durante toda la noche.

INTENTANDO HUIR DE LOS TÓPICOS

Fue un concierto donde faltó a la cita “Carolina”, tema que echaron de menos algunos de los asistentes, pero que la banda, junto con uno de sus mayores éxitos “Llamando a la Tierra”, no esconde su dejadez a la hora de interpretarlas, posiblemente, porque saben que en su dilatada discografía tienen temas mucho más enriquecedores (por ponerles un adjetivo bastante neutro).

Respecto a las cuestiones técnicas, ovación más que merecida a los técnicos de sonido. Sonido contundente sin perder un ápice de claridad y con la potencia necesaria para emocionar sin abrumar. Los músicos siempre decimos que para que una actuación sea plenamente satisfactoria, el público y la banda tienen que ir de la mano y esto no sucede si el artista no transmite o si el público no recepciona bien el mensaje. Y lamentablemente, en muchas ocasiones en que estas situaciones se dan, es a causa de la falta de calidad del equipo de sonido o de los responsables del mismo. No fue un día de esos, y por ello, se hace justa y necesaria la felicitación a los responsables del sonido.

TRAYECTORIA Y DIRECTO

M-Clan demostró que ha sabido pasar por el Rock and Roll, el Blues, el Pop y el Soul sin perder su esencia y su impresionante directo. Sin duda, una banda de las más emblemáticas de este país que, afortunadamente, goza de muy buena salud.

Fuente de la fotografía: http://www.inforock.net/